martes, 4 de mayo de 2010

A través de la FORMA

Una vez tratada la forma en el diseño, también vamos a analizarla en términos más generales.
Podríamos definir y entender la forma como medio de información acerca de la naturaleza de las cosas a través de su aspecto exterior; lo que vemos de la forma es el color y el comportamiento externo de las cosas. Por lo que ésta nunca se percibe como tal de una cosa concreta, sino como de una clase de cosas.
Pero no todos los objetos nos hablan de su particular naturaleza material a través de su forma. si nos detenemos a observar podremos determinar la forma como categorías enteras de cosas:
  • en pintura por ejemplo, un lienzo cubierto de pigmento hará referencia a un paisaje;
  • en escultura el mármol desvelará figuras o criaturas vivas.
Si algo caracteriza a la forma es la función práctica de las cosas, al hallar en su forma las cualidades visuales de redondez o agudeza, fuerza o fragilidad, armonía o discordia.

Hay que señalar que la forma no viene determinada sólo por propiedades físicas del material, sino también por el estilo de representación de una cultura o de un artista concreto. Una mancha de color de aspecto plano puede ser una cabeza humana en el mundo esencialmente bidimensional.
La capacidad para inventar un esquema llamativo, sobre todo cuando se aplica a formas tan familiares, es lo que se entiende por imaginación artística. La imaginación dista mucho de ser primordialmente una invención de temas nuevos, ni siquiera una producción de cualquier tipo de forma nueva. Se a puede definir con mayor precisión diciendo que es un hallazgo de una forma nueva para un contenido viejo ya, que la invención de las cosas o situaciones nuevas sólo será valiosa en la medida en que éstas sirvan para interpretar un tópico de la experiencia humana.
Por este motivo es preciso comprar diferentes representaciones del mismo tema para apreciar verdaderamente el papel de la imaginación; una solución artística a veces nos supone que es la única realización posible del tema.

Si bien podemos constatar, a lo largo de la historia y de sus diversas etapas junto con sus diferentes y diversas maneras de expresión; gracias a la pintura y escultura a través de los cuales su representación se basaba en el uso de diversos materiales, en la manera de cómo utilizarlos apoyada de la imaginación del artista. Más adelante, aproximándonos a la modernidad son estas dos disciplinas las que sufren un duro golpe no sólo en su narrativa sino también en su forma.
Poco a poco fueron surgiendo necesidades que pronto se encontraron en la confrontación de lo dinámico y lo estático. Que sin duda en la modernidad se habría desarrollado tanto y había encontrado su perfecta evolución llegando a la perfecta conclusión sobre el una real situación: "la muerte de la pintura". Por lo que en este momento fue en el que la forma tomo otro tipo de conciencia (ya no solo la podemos percibir y representar a través de nosotros mediante la pintura y la escultura) sino que la forma pasaba a ser "acción" en los primeros happenings y performances que nacerían a partir de un requisito fundamental de querer y poder entender la forma como un recurso retórico propia de la acción y de la tensión que surgía de ella y además la constituía.
A lo largo de la historia hemos observado diferentes aspectos y características que la constituyen que a menudo respondían a la obligación que se resumía de cada etapa o época. Por lo que un artista, ya se dedique a un campo o experimente en diferentes disciplinas debe de tener, ya no solo por su propia exigencia sino en cuanto a su responsabilidad, motivación suficiente para poder ampliar sus capacidades en el estudio formal de su obra y métodos de representación y expresión.

jueves, 1 de abril de 2010

TRABAJOS PRÁCTICOS



1. Blanco & Negro 2009













1. Blanco & Negro 2010















2.Ocre Blanco & Negro 2009













2. Blanco Negro & Blanco 2010















3. Azul & Amarillo 2009



















3. Azul & Amarillo 2010





















4. Cyan & Magenta 2009













4. Cyan & Rojo 2010















5. Primarios 2009



















5. Primarios 2010





















7. Mancha 2009



















7. Mancha 2010





















9 & 10 Autorretratos 2009



















9 & 10 Autorretratos 2010















13. Paisaje 2009













13. Paisaje 2010





















14. Bodegón 100x70















15. Apuntes figura





















16. PROYECTO acrílico & óleo





















17. Escala grises





















18. Escala Magenta Cadmio Cyan





















19. Círculo cromático















20. Triángulo cromático















TRABAJOS EN TIEMPO LIBRE
Experimentación de técnicas


Bodegón acrílico & pastel














Bodegón acrílico & pastel




















Bodegón acrílico óleo y materia
cálidos




















Bodegón acrílico por planos
fríos




















Acrílico aguado, sal gorda y máscara film















Acrílico aguado paisaje


martes, 1 de septiembre de 2009

EXPOSICIÓN: "La pintura y la FURIA"

JORGE GALINDO (1965)

Biografía

Pintor español. Participó en los Talleres de Arte Actual del Círculo de Bellas Artes impartidos por los pintores Juan Navarro Baldeweg (1987), Carlos León (1987) y Julián Schnabel (1991), del que recibirá un gran apoyo. Es compañero de generación de artistas como Rogelio López Cuenca o Francisco Baena, formados como él en los talleres del Círculo. Practica una pintura cercana a la abstracción gestual, en la que el azar y los aspectos matéricos cobran una especial relevancia. Desde 1990 empieza a experimentar con fotomontajes en los que utiliza imágenes de revistas de los años cincuenta y sesenta y en los que late una crítica a la sociedad de consumo y a la pornografía. Se trata de obras de pequeño formato que sirven de contrapunto a sus enormes lienzos y que irán ganando en protagonismo, llegando a ser determinantes en la concepción de su pintura. Desde 1993 introduce en su obra palabras y textos. En 1994 expone en la galería Soledad Lorenzo, siendo el pintor más joven que presenta la obra en este espacio. En 1996 inicia su serie Patchwork, en la que incorpora al lienzo tejidos de variada procedencia, como la guata o el fieltro, conservando en muchos casos su estampado original e industrial, y del que destaca sus cualidades como material en sí más que las imágenes que puedan aportar. Mezclando siempre la fotografía con el gesto violento, el color exacerbado y el collage de tintes kitsch, su obras tienen un gran sentido corporal y físico en su tratamiento. En cada serie que presenta aporta nuevos caminos de experimentación dando a las piezas una lectura de conjunto. Entre ellas destacan Pintura animal, La vie des bêtes, expuesta en el Espacio Uno del MNCARS, Calle de Abastos y Leda morada, estas últimas del 2001. Él mismo destaca la definición de su obra dada por Sánchez Robaynas como "pop sucio".







Exposición en el MUSAC






















La pintura y la furia quiere llevar a sus máximas consecuencias el acercamiento del hecho creativo del artistacon el espectador. A modo de gran estudio, se presenta el universo creativo de Jorge Galindo y su forma de asumir su posición como pintor actualmente. Situándonos ante un compromiso que ha ido agrandando con las dificultades y con el desprecio que desde ciertas posturas falsamente modernas han infundido durante estas últimas décadas a esta práctica artística. Este posicionamiento ha hecho que sea siempre en sí misma la exclusiva protagonista.
















Se suele dar por hecho que es la pintura el género artístico más arraigado en la historia del arte español y que es sobre el soporte de un marco y un lienzo desde nuestro país. Tantto es así que en España se suele confundir Historia del Arte con Historia de la Pintura. Un ejemplo; dentro del arte más reciente, sin duda en Jorge Galindo que de una forma más clara continúa la utópica investigación que desde el lienzo han buscado tantos y tantos artistas a lo largo de los siglos.



















El trabajode este artista ha sido siempre una asunción de este hecho absoluto. Desde la más dura abstracción gestual al gigantismo de la sociedad de consumo urbana, el artista ha desarrollado una producción en la que ha llegado a abordar el hecho pictórico con una inactitud de absoluto enfrentamiento a lo esencial de la cuestión creaiva implícita en la pintura, a través de su propia rabia, su propia obsesión por el constante escarbaren la pintura y lo pictórico y que se traslada ahora a las salas de este museo.

lunes, 10 de agosto de 2009

FORMA Y COMPOSICIÓN EN EL DISEÑO

El diseño es un proceso de creación visual con un propósito.

ELEMENTOS DEL DISEÑO

1. Elementos conceptuales. No son visibles.
a. PUNTO. Indica posición.
b. LÍNEA. Cuando un punto se mueve se convierte en una línea. Forma los bordes de un plano.
c. PLANO. El recorrido de una línea en movimiento se convierte en un plano.
d. VOLUMEN. El recorrido de un plano en movimiento se convierte en un volumen. En un diseño bidimensional,el volumen es ilusorio.

2. Elementos visuales. Cuando los elementos conceptuales se hacen visibles, tienen forma, medida, color y textura. Los elementos visuales forman la parte más prominente del diseño.
a. FORMA.
b. MEDIDA.
c. COLOR.
d. TEXTURA.

3. Elementos de relación.
Este grupo de elementos gobierna la ubicación y la interrelación de las formas en un diseño.
a. DIRECCIÓN.
b. POSICIÓN. La posición de una forma es juzgada por su relación con el cuadro o la estructura.
c. ESPACIO. Las formas de cualquier tamaño por pequeñas que sean, ocupan un espacio.
d. GRAVEDAD. La sensación de gravedad no es visual sino psicológica.

4. Elementos prácticos.
a. REPRESENTACIÓN. Cuando una forma es derivada de la naturaleza o del mundo hecho por el ser humano, es representativa. Esta puede ser realista, estilizada o semiabstracta.
b. SIGNIFICADO. Este se hace presente cuando el diseño transporta un mensaje.
c. FUNCIÓN. La función se hace presente cuando un diseño debe servir a un determinado propósito.

LA FORMA.
En una superficie bi-dimensional todas las formas lisas que no sean reconocidas como puntos o líneas
son planos. Estas formas planas tienen una variedad de figuras, que pueden ser clasificadas como:
a. GEOMÉTRICAS. Son construidas matemáticamente.
b. ORGÁNICAS. Rodeadas por curvas libres, que sugieren fluidez y desarrollo.
c. RECTILÍNEAS. Limitadas por líneas rectas que no están relacionadas matemáticamente
entre sí.
d. IRREGULARES.Limitadas por líneas rectas y curvas que no están relacionadas
matemáticamente entre sí.
e. MANUSCRITAS. Caligráficas o creadas a mano alzada.
f. ACCIDENTALES. Determinadas por el efecto, procesos o materiales especiales, u obtenidos
accidentalmente.


FORMAS positivas y negativas.
A la forma se la ve como ocupante de un espacio, pero también puede ser vista como un espacio blanco, rodeado de un espacio ocupado.
POSITIVA. Cuando se la percibe como ocupante de un espacio.
NEGATIVA. Cuando se la percibe como un espacio en blanco, rodeado por un espacio ocupado.


Interrelación de formas.
Pueden distinguirse ocho maneras diferentes para su interrelación:
a. DISTANCIAMIENTO.
b. TOQUE.
c. SUPERPOSICIÓN.
d. PENETRACIÓN.
e. UNIÓN.
f. SUSTRACCIÓN.
g. INTERSECCIÓN.
h. COINCIDENCIA.



MÓDULOS.
Cuando un diseño ha sido compuesto por una cantidad de formas, las idénticas o similares entre sí son formas unitarias o módulos que aparecen más de una vez en el diseño.
Los módulos unifican el diseño, un solo diseño puede contener más de un conjunto demódulos.
Los módulos deben ser simples. Los demasiado complicados se destacan como formas individuales, con esto el efecto de unidad puede ser anulado.

SUBMÓDULOS Y SUPERMÓDULOS.
Un módulo puede estar compuesto por elementos más pequeños, que son utilizados en repetición. Estos elementos más pequeños son denominados

SUBMÓDULOS.
Si los módulos, al ser organizados en un diseño, se agrupan para convertirse en una forma
mayor, que posteriormente es utilizada en repetición, se denominan SUPERMÓDULOS.
Formación de Supermódulos.
Las posibilidades sin ilimitadas, entre ellas:
a. Disposición lineal.
b. Disposición cuadrada o rectangular.
c. Disposición en rombo.
d. Disposición triangular.
e. Disposición circular.




Repetición.
La repetición es el método más simple para el diseño. Las columnas y las ventanas en arquitectura, las patas de un mueble, el dibujo sobre una tela, las baldosas del suelo,...
La repetición de módulos suele aportar una inmediata sensación de armonía.
Cuando los módulos son utilizados en gran tamaño y pequeñas cantidades, el diseño parece simple y audaz.
Cuando son infinitamente pequeños y se utilizan en grandes cantidades, el diseño se convierte en un ejemplo de textura uniforme.

TIPOS DE REPETICIÓN.
1. REPETICIÓN DE FIGURA.
2. REPETICIÓN DE TAMAÑO.
3. REPETICIÓN DE COLOR.
4. REPETICIÓN DE TEXTURA.
5. REPETICIÓN DE DIRECCIÓN.
6. REPETICIÓN DE POSICIÓN. Disposición de las formas, de acuerdo a una estructura.
7. REPETICIÓN DE ESPACIO. Todas pueden ser positivas o negativas.
8. REPETICIÓN DE GRAVEDAD. La gravedad es un elemento demasiado abstracto para poder
ser empleado en repetición.




Variaciones direccionales.
Todas las formas pueden variar de dirección, aún los círculos pueden ser agrupados para dar sensación de dirección.
a. Direcciones repetidas.
b. Direcciones indefinidas.
c. Direcciones alternadas.
d. Direcciones en gradación.
e. Direcciones similares.





LA COMPOSICIÓN (Estructura)
Casi todos los diseños tienen una composición, esta debe gobernar la posición de las formas en el diseño.
La composición, impone un orden y predetermina las relaciones internas de las formas de un diseño.

Se puede haber creado un diseño sin haber pensado concientemente en la estructura, pero cuando hay una organización existe una estructura.
La estructura puede ser formal, semiformal o informal. Puede ser activa o inactiva, visible o invisible.

Composición formal.
Una estructura formal se compone de líneas estructurales que aparecen construidas de manera rígida, matemática. Las líneas estructurales guían la formación completa del diseño.
El espacio queda dividido en una cantidad de subdivisiones, igual o rítmicamente, las formas quedanorganizadas con una fuerte sensación de regularidad.
Los diversos tipos de la composición formal son: repetición, la gradación y la radiación.

Composición semiformal.
Una estructura semiformal es habitualmente bastante regular, pero existe una ligera irregularidad. Puede componerse o no de líneas estructurales que determinan la disposición de los módulos.
Entre las composiciones semiformales tenemos: la Similitud, la Anomalía y la Concentración.



Composición informal.
Una estructura informal no tiene normalmente líneas estructurales. La organización es generalmente libre e indefinida. Este tipo de composición se encuentra normalmente en el contraste y en algunas ocasiones en la concentración.


Composición inactiva.
Todos los tipos de estructura pueden ser activos o inactivos.
Una estructura inactiva se compone de líneas estructurales que son puramente conceptuales, únicamente guían la ubicación de las formas pero nunca interfieren con ellas ni dividen el espacio en zonas distintas.



Composición activa.
Una estructura activa se compone de líneas estructurales que son asimismo conceptuales. Las líneas estructurales activas pueden dividir el espacio en subdivisiones individuales, que interactúan de varias formas con el módulo.
a. Puede aportar completa independencia a los módulos.
b. Dentro de la subdivisión estructural, cada módulo puede ser trasladado para asumir
posiciones excéntricas.
c. Cuando el módulo penetra en el dominio de una subdivisión estructural adyacente.
d.El espacio aislado por un módulo en una subdivisión estructural puede ser reunido con cualquier módulo o subdivisión estructural vecina.




Composición invisible.
En las estructuras invisibles, las líneas estructurales son conceptuales, incluso si cercenan un fragmento de un módulo. Estas líneas son activas, pero no son líneas visibles, de un grosor mensurable.


Estructura visible.
Esto significa que las líneas estructurales son reales y visibles, de un grosor deseado.
Las líneas estructurales visibles pueden ser positivas o negativas.
Las líneas estructurales visibles positivas y negativas pueden ser combinadas en un diseño.
Las líneas estructurales visibles e invisibles pueden ser utilizadas conjuntamente.

sábado, 8 de agosto de 2009

BASE de la PERCEPCIÓN VISUAL

LEYES DE LA PERCEPCIÓN VISUAL
Leyes de la Gestalt
La Gestalt: corriente filosófica y psicológica generado en Alemania a finales del siglo XIX. Su principal representante fue Werthemer que introduce la idea de “percepción global”. En el ámbito de la percepción visual las aportaciones más importantes fueron de Rudolf Arheim. Otros autores: Panovsky, Gombrich...
Ley de Pregnancia o Simplicidad: tendemos a ver la estructura más simple de un objeto
Ley de Discriminación Figura Fondo: proceso mediante el cual separamos la figura del fondo
1. La figura tiene más apariencia, es más reconocible y se aprecia más que el fondo
2. El fondo aparece como un material amorfo
3. La figura se percibe por delante del fondo
Ley de Similitud: los objetos parecidos tienden a agruparse


Ley de Proximidad o Cercanía: los elementos próximos se agrupan visualmente


Ley de Cierre: se tienden a cerrar formas para completarlas

Ley de Simetría:
Ley de Continuidad: